Jim's Gems, 1973 : Bowie, The Who, Planxty et plus dans une année incroyable

Lou Reed et Bowie figurent en tête de la liste des meilleurs albums de Jim Comet en 1973.

Nous étions en 1973. La gueule de bois d’après les années 60 commençait à s’atténuer. Une grande partie des espoirs, des rêves et des aspirations ainsi qu'une grande partie de l'optimisme de la décennie précédente avaient disparu et les gens commençaient à se rendre compte que le monde était dans un état bien pire qu'ils ne l'avaient imaginé. Musicalement, tout était question d'album et de nombreux artistes sont allés un peu plus loin, s'adaptant à l'évolution des temps et du marché. De nouveaux artistes émergent également, tous désireux de bousculer le statu quo et d’être le fer de lance du changement musical.

1. Lou Reed, Berlin

Personne ne fait de décadence comme Lou Reed et lorsqu'il a collaboré avec le producteur Bob Ezrin sur la suite du Transformer acclamé par la critique, il a brisé le moule. Bien qu'enregistré à New York, Berlin raconte l'histoire de Jim et Caroline et leur lutte contre la toxicomanie, la violence domestique, la prostitution et enfin le suicide dans le cadre déprimant du Berlin d'après-guerre. Ces questions sont traitées de manière très graphique et concrète par Reed, le poète de rue par excellence. "The Kids" et "The Bed" rendent l'écoute difficile. Musicalement, c'est un peu une symphonie du Velvet Underground. Ezrin a réussi à combiner les instruments traditionnels avec les cordes avec un grand effet.

L'album, même s'il n'est pas vraiment un sac de rire, a complètement échoué lors de sa sortie initiale et il a fallu des années à Reed pour se rétablir artistiquement. Cependant, il est désormais considéré par beaucoup, moi y compris, comme sa meilleure œuvre solo.

2. David Bowie, Aladdin Sané

Pour la suite du révolutionnaire Ziggy Stardust, Bowie était bien plus intéressé par le parcours artistique que par la simple écriture de tubes. Un trait qui définira une grande partie de sa carrière. Les chansons du nouvel album ont été pour la plupart écrites dans le bus de tournée voyageant à travers l'Amérique pendant la nuit lors de la première tournée américaine de Ziggy. Ils ont utilisé le bus car il avait peur de voler.

C'est beaucoup plus chaotique. affaire plus sombre et plus intense que Ziggy, ce qui reflète probablement son style de vie à l'époque. Les drogues commençaient lentement à s'installer, comme chez beaucoup d'autres grands artistes de l'époque. L'ajout du pianiste Mike Garson a complètement transformé le son des Spiders, ajoutant une sensation burlesque jazzy décadente qui domine complètement le disque. Garson resterait avec Bowie de temps en temps jusqu'à la fin.

3. Rolling Stones, soupe à la tête de chèvre

En 1968, les Stones sortent le premier d’une série de cinq albums classiques qui cimenteront leur héritage et définiront leur carrière. Cependant, au moment où ils ont déménagé en Jamaïque pour enregistrer le cinquième album de cette série, tout n'allait pas bien dans le camp.

Ils avaient été pratiquement expulsés de France après l'enregistrement d'Exile On Main Street, Mick Jagger était de plus en plus préoccupé par son style de vie de jet-set et la drogue commençait à faire des ravages sur Keith Richards. Les séances d'enregistrement, accompagnées de saisies de drogue, de démêlés avec la police locale et la mafia, ont été chaotiques.

La façon dont l’album a été réalisé est en soi un petit miracle. Musicalement, c'est sale, drogué, bâclé et ça sonne partout dans la boutique. En d’autres termes, des Stones classiques. Ma propre opinion est que c'est leur dernier hourra et sans doute leur meilleur album.

4. The Who, Quadrophénie

Suite au succès de Tommy The Who, ils ont sorti leur troisième opéra rock Quadrophenia en 1973. L'histoire suit Jimmy, un adolescent mod, dont le personnage est vaguement basé sur notre propre Irish Jack, alors qu'il lutte pour être accepté dans le monde et essaie d'être à la hauteur des deux. les attentes de la société et de ses parents à son égard. Pendant un bref week-end à Brighton, tout se passe bien, mais la vie et la réalité le ramènent sur terre et il essaie en vain de retrouver ce moment.

Ses luttes constantes avec sa propre santé mentale font écho à celles ressenties par de nombreux adolescents d’aujourd’hui. Musicalement, c'était leur projet le plus ambitieux à ce jour, les chansons étant beaucoup plus complexes qu'auparavant avec un accent particulier sur les pannes. L'ajout de bois par John Entwistle rend le son encore plus gros. Tout au long du disque, la mer agit comme une métaphore constante d'un calme et d'un refuge qui ne seront jamais atteints.